La artista canadiense Myriam Gendron llega por primera vez a Barcelona y Madrid este mes de abril para presentar su cautivador universo sonoro y su nuevo disco, Mayday. Es el tercer trabajo de esta artista de Montreal tras sus dos álbumes anteriores, Not So Deep As A Well (2014) y Ma délire – Songs of love, lost & found (2021), ambos aclamados por la crítica. Myriam pareció surgir de la nada, pero al instante de escucharla, me quedé fascinado por esa increíble manera de combinar la literatura con la música folk. Y su voz, que es envolvente y maravillosa.
Los Conciertos de Myrian Gendron en España están programados para el 3 de Abril en Madrid (Sound Isidro, Maravillas Club) y el día siguiente en Barcelona, en El Molino. Son dos citas indispensables.
Cuando apareció Ma Délire te pedí que me concedieras una entrevista, pero muy amablemente la rechazaste, porque en ese momento estabas abrumada por el éxito del disco y era imposible. ¿Cómo ha cambiado tu vida desde aquel álbum hasta este nuevo Mayday?
En primer lugar, lamento haber rechazado tu solicitud de entrevista. Los meses que siguieron al lanzamiento de Ma Delire fueron muy difíciles. Por supuesto, estaba encantada con la buena acogida que recibía el álbum, pero estaba muy ocupada con mi vida familiar, mi trabajo de librera a tiempo completo y mi madre enferma. Estaba, además, en un estado psicológico frágil y no estaba en absoluto armada para afrontar aquello. Las ofertas de espectáculos se multiplicaban, la salud de mi madre se deterioraba, yo intentaba estar en todas partes a la vez y cuando pienso en ello hoy, sé que no siempre he hecho las elecciones correctas. Mi madre murió en mayo de 2022. Al otoño siguiente, después de un año de ese ritmo frenético y varias visitas a mi médico, finalmente tomé una decisión sensata al dejar mi trabajo para dedicarme plenamente a la música. Mayday vino rápidamente después de la gira de Ma Delire. Este tercer álbum también ha sido muy bien recibido y me permite, por el momento, seguir viviendo de mi música. Pero no sé cuánto tiempo puede durar. No excluyo hacer otra cosa en los próximos años.
Tus álbumes son como libros o poemas, magníficos, pero a veces llenos de tristeza y cierta oscuridad, similares a muchas canciones del folclore antiguo de cualquier país. ¿Estas composiciones están deliberadamente diseñadas para reflejar este sentimiento y esta base radica en tus propias experiencias o historias literarias?
¡Gracias por el cumplido! He estudiado letras y me alegro de que sientas en mi música toda la importancia que tiene para mí la literatura. Creo que tengo un enfoque muy literario de la música. Es siempre una narración, una historia que cuento, incluso en las composiciones instrumentales. En cuanto a si estas narraciones son mías o tomadas prestadas, creo que la ambigüedad está siempre presente e incluso es necesaria. Estamos atravesados por todo tipo de cosas y nada nos pertenece realmente, ¿no crees? Es en nuestra manera de hacer resonar el mundo que reside en nuestra originalidad artística, no en otro lugar. El fondo es siempre el mismo. En cualquier caso, esta idea está en el corazón de mi concepción del arte y de la vida. Es sin duda por eso que la música tradicional ha tomado tanto espacio para mí en los últimos años: por su capacidad de atravesar épocas, lenguas, culturas… Al adaptarse a ello, creo que nos ofrece la más bella de las pruebas de que el ser humano necesita contarse una y otra vez las mismas historias, y que hay, enterrado en el corazón de estas narrativas, una especie de lenguaje universal. La música tradicional es una mitología que, creo profundamente, ayuda a vivir.
Tu música es obviamente folclórica y tu amor por la literatura es evidente. Tienes un conocimiento profundo del inglés y el francés. ¿Fue una elección expresarte tanto en francés como en inglés en tus canciones?
Es algo que se impuso cuando empecé a trabajar en Ma Délire. Al principio pensaba limitarme a las canciones del repertorio tradicional francófono, pero rápidamente vi una multitud de puentes entre las canciones en francés y en inglés, por lo que se convirtió en un proyecto bilingüe, una especie de exploración de América más allá de las fronteras. Me gustó mezclar los idiomas y las tradiciones en Ma Delire, y la pregunta ya no surgió para Mayday. Naturalmente, he continuado mi búsqueda en la misma dirección.
¿Crees que algunas canciones funcionan mejor en un idioma que en otro?
Sí, pero no siempre. Es difícil de explicar. Algunas melodías están claramente hechas para un idioma u otro. (No podría haber escrito letras en inglés para la melodía de «Terres brûlées», por ejemplo.) Otras veces, es más borroso y hay que elegir.
Escuchar tus discos es una experiencia memorable, como una buena película o un buen libro. ¿Eres consciente de ello? ¿Y cómo explicas que un público que no domina ni el francés ni el inglés consiga sumergirse en tus canciones?
¡Ah! ¡Quizás tenga algo que ver con la idea del lenguaje universal del que me hablabas antes! Pero en realidad no he tenido a menudo un público que no habla ni francés ni inglés,y me estas enseñando de alguna manera que el dominio de uno u otro de estos idiomas no es necesario para apreciar mis canciones. ¡Tanto mejor! Por mi parte, he escuchado mucha música en español, italiano y portugués, y si a veces tengo la impresión de pasar por alto algunas cosas, creo que lo esencial me llega (sobre todo en formas tradicionales, como el fado o el flamenco, por ejemplo). La emoción precede al lenguaje y lo atraviesa.
¿Qué artistas te han influido más musicalmente, francés e inglés?
Si tengo que nombrar uno, ese es Leonard Cohen. Pero por supuesto, tengo muchas otras influencias, muy diversas.
¿Hay artistas que realmente te gusten en la escena folk de hoy?
Me gusta mucho el trabajo de Marisa Anderson, que tuve el honor de acoger en mi último álbum. También pienso en William Tyler, que se mueve en las mismas esferas que Marisa, y cuyo nuevo álbum Time Indefinite (que saldrá en abril) será, estoy segura, uno de mis discos favoritos de 2025. Las tres piezas ya disponibles me hacen creer que se trata de una obra maestra de nuestro tiempo, una reflexión sensible y profunda, triste pero no desprovista de esperanza, sobre la América de hoy.
En el escenario, actúas generalmente sola, pero a veces acompañada. ¿Cómo te sientes más cómoda y cuáles son las diferencias?
Me gustan las dos fórmulas y estoy contenta de tener la flexibilidad para pasar de una a otra. Por razones financieras, no siempre es posible para mí viajar con músicos. Es cierto que hay canciones que no toco cuando estoy sola y la paleta sonora de un espectáculo en solitario es necesariamente más restringida. He desarrollado algunas estrategias, con mis pedales, que me permiten alejarme, incluso en solitario, del folk suave y amable, para buscar otras emociones, más perturbadoras, que forman parte de mi visión del folk. Siempre trato de mantenerme en equilibrio sobre esta línea fina que define para mí el arte y la vida: canto melodías suaves y tranquilizadoras en medio de las numerosas tormentas que nos atraviesan y amenazan con hacernos volcar.
Esta vez has colaborado con Marisa Anderson y Jim White y también vas de gira por los Estados Unidos, ¿cómo ha sido la colaboración entre Marisa y Jim White?
Pasó muy rápido: dos días en el estudio y estaba arreglado. Pero fue suficiente, lo entendieron todo desde el principio y su contribución a este álbum es inmensa. Les estoy muy agradecida.
Ahora que está de gira internacional, ¿cómo describiría el éxito de su música en el extranjero? ¿Existe un nuevo interés por el folclore y la música tradicional?
No sé si es nuevo. La música tradicional se define por su capacidad de atravesar culturas y épocas. Por supuesto, ha tenido algunos períodos de gran entusiasmo, como los años 70, y quizás en los últimos años hemos entrado en otro ciclo de renovación folk. En todo caso, en Quebec no soy la única interesada. El músico Cédric Dind-Lavoie, que también colaboró conmigo en Mayday, hace cosas absolutamente fabulosas con la música tradicional. Tengo la impresión de que hay movimientos similares en Inglaterra y en Francia, donde varios músicos trabajan para reconciliar la tradición y la vanguardia. Ignoro lo que sucede en el resto del mundo, pero no me sorprendería que se observaran las mismas tendencias en todas partes. Estos movimientos son mucho más grandes que nosotros. No hacemos otra cosa que escuchar y dejarnos atravesar por ellos.
Desde hace unos años hemos sido testigos de un resurgimiento de los músicos que reivindicaban como fuente de inspiración a John Fahey o Robbie Basho. Cuando escucho tus canciones siento un poco de Basho en el aura que desprenden tus composiciones. ¿Qué influencia ha tenido el Primitivismo americano de Jack Rose, Sandy Bull o John Fahey en tu música?
Me alegro de oír lo que dices. Nunca tendré la destreza de Fahey o Basho, pero el primitivismo americano ha tenido una gran influencia en mi juego de guitarra. Me abrió los horizontes y me dio una libertad inestimable. He aprendido a usar diferentes afinaciones y a divertirme con el diapasón de mi guitarra. A veces, cuando me faltan ideas, simplemente cambio de afinación y de repente aparecen nuevas posibilidades.
¿Qué piensas de este tipo de música? El estilo parece haber ganado popularidad en los últimos años con músicos como Steve Gunn, Willyam Tyler o Bill MacKay, aunque todos han evolucionado hacia un estilo más personal, álbum tras álbum.
El primitivismo americano, que se puede definir rápidamente como este estilo de guitarra en fingerpicking creado por John Fahey a partir del final de los años 1950, que mezcla una cierta tradición americana «blanca» con influencias de otra parte (blues, música india, música clásica), ha dejado profundas huellas y sigue inspirando a los guitarristas de todo el mundo. Creo que su atractivo radica precisamente en su capacidad de absorber todas las tradiciones. Es una música profundamente acogedora, hospitalaria, un campo de juego fenomenal para cualquiera que mantenga una relación de apertura – más que de repliegue identitario – con la música tradicional.
¿Cuál crees que es el objetivo principal de un guitarrista cuando compone una línea de guitarra?
No hablo por otros guitarristas, pero por mi parte siempre busco algo que me parezca nuevo y familiar. Eso es lo que busco en el arte en general. Las obras de arte que más me afectan son aquellas que siento que reconozco al descubrirlas.
¿Alguna vez has compuesto música usando una referencia visual como inspiración?
No, esto nunca ha pasado antes, pero me gustaría intentarlo. Tengo la impresión de que, en general, no reacciono tan intensamente a los estímulos visuales. (Siempre canto con los ojos cerrados. Las imágenes me molestan.) Pero tal vez es algo que debería explorar.
Zoh Amba, músico de Free Jazz, participa en tu último álbum y trae con su solo algo extraordinario, como un grito de curación. ¿Cómo surgió la idea de incluir este solo y por qué Zoh?
Había compartido brevemente la escena con Zoh unas semanas antes de escribir esta canción. Estaba de gira con el excelente batería Chris Corsano, uno de los músicos invitados en mi segundo álbum e hicimos un espectáculo juntos en Montreal en junio de 2023. La participación de Chris en Ma Delire se hizo a distancia (en 2021, durante la pandemia), y finalmente tuve la oportunidad de tocar mi canción con él. Mientras tanto, he invitado a Zoh a unirse a nosotros para otra canción, más exploratoria, en la que pensé que encontraría su lugar. Fue un momento muy fuerte, inolvidable. Durante el verano siguiente, fui invitada por el “Archivo Alan Lomax” a participar en una exposición sobre las canciones de cuna de la colección Lomax. He recibido las pocas canciones de cuna en francés (y creole) que figuran en la colección, y se me ha pedido que ofrezca una nueva interpretación, acompañada de un breve texto sobre mi informe a las canciones de cuna. He grabado mi versión de un «Fais dodo» en criollo, y el azar me ha llevado a escribir mi texto cuando había una alerta de tornado en Montreal. El cielo era muy amenazador y mis hijos tenían miedo.
Naturalmente, mi texto se ha convertido en una reflexión sobre el poder y la importancia de las melodías calmantes en un mundo que explota por todas partes (desastres climáticos, guerras y todo lo demás). Unos días más tarde, escribí esta nueva canción de cuna que aparece en Mayday, y me di cuenta de que era la pieza que faltaba en este álbum, pero que había que poner un gran tornado. Pensé inmediatamente en Zoh. Le envié la canción, le expliqué mi idea y se mostró muy entusiasmada. Cuando oí su propuesta, lloré mucho. Yo le había pedido un tornado, quería violencia y rabia, pero ella decidió poner otra cosa más: me parece que después del gran grito de ira hay lágrimas de tristeza y que todo esto se resuelve en belleza, con una especie de broche de sol. Usted me habla de un grito de curación y es exactamente esa misma idea. No esperaba esto en absoluto y es realmente la palabra final más perfecta que podía esperar.
¿Qué significa venir a España para poder tocar tu música? ¿Qué podemos esperar de los conciertos?
Soy muy afortunada. Reconozco que estoy un poco nerviosa. No sé si la gente me conoce en España y espero que haya gente. Tengo una amiga que escribió en algún lugar que la esperanza es algo que se dice mejor en español. Mantengo esa misma relación un poco romántica con España. Por razones políticas y literarias, supongo. Leí mucho a García Lorca cuando era adolescente. Por cierto, mi canción más alegre en Mayday es una pieza instrumental que lleva un título en español: «La Luz». La veo como un rayo de esperanza, un pequeño claro en medio del bosque. De todos modos, estoy muy emocionada de tocar en España y tengo la intención de poner un poco de todo esto en mis conciertos.
Mayday es el título del nuevo álbum, una palabra que es una señal de socorro, ¿no crees que es el título perfecto para describir cómo está el mundo en este momento?
Sí, a menudo tengo la impresión de que estamos en caída libre. Cuando escribía las canciones de Mayday, era una angustia más íntima que colectiva. Pero ya en el momento de mezclar el álbum, los palestinos estaban siendo exterminados y el saxofón de Zoh resonaba de otra manera. Creo que el próximo álbum, que comienza a perfilarse tranquilamente, será más político. Quiero explorar el “nosotros”, que he usado muy poco hasta ahora. No cambiaré el estado del mundo con mis canciones, pero creo que hay un gran potencial terapéutico en la resistencia colectiva frente a la opresión. No soy una activista. Rara vez me veras en la calle con un cartel. Incluso tengo dificultades para firmar una petición. Pero creo que mis canciones me dan un cierto poder de cambio y no conozco nada tan fuerte como el reconocimiento que a veces veo en los ojos de la gente que viene a oírme. Ellos me dicen que yo llevo su cólera y sus penas y que los libero un poco. Así que en mis muchos momentos de duda, cuando siento que todo esto no tiene sentido, pienso en ellos y me digo que debo continuar.
Texto: Laurent Berger
