Formados en el apático Boston de 1987, The Cheater Slicks se propusieron alborotar la escena del garage punk. Imbuidos del mismo espíritu que espoleó a The Stooges y The Cramps, los hermanos Tom y Dave Shannon produjeron una doble guitarra tan agresiva sobre la batería de Dana Hatch que ese sonido tan primitivo encendió los oídos del público. Sobreviviendo a contratiempos y rechazos, al abandono autoinfligido y a un empuje extremo de los límites sónicos en el mundo del garage punk, el trío sigue funcionando a día de hoy.
Mientras Ghost Highway Records se preparan para reeditar sus álbumes Walk In The Sea y Reality Is A Grape, Tom nos habla del viaje que han recorrido en los últimos casi cuarenta años.
Han pasado 35 años desde que publicasteis el álbum de debut de The Cheater Slicks. ¿Qué recuerdas de aquella época?
Trabajábamos desde un lugar aislado en la escena musical, intentando seguir nuestra propia visión y sin prestar demasiada atención a lo que ocurría a nuestro alrededor en Boston, o en el país. Estábamos obsesionados. Teníamos mucho que aprender. Mi hermano y yo llevábamos un par de años tocando la guitarra. Nos lanzamos y tocábamos por instinto. Creo que eso se nota en la naturaleza idiosincrásica de las canciones de ese disco y hoy en día se mantiene bien.
A mediados de los 80 tenía una visión de túnel. Para mí, sólo los sonidos más crudos y primitivos eran lo que quería escuchar. Sentía que había un nexo de bandas que representaban lo mejor del rock and roll americano. The Stooges, Cramps, Gun Club, Flesheaters… y quería tocar en esa tradición, pero no imitar. David estaba interesado en esos mismos sonidos. Dana venía de una perspectiva ligeramente diferente, pero entendía perfectamente de dónde veníamos. Nos introdujo en otras músicas e hicimos lo mismo con él. Escuchábamos mucho rockabilly y garage punk.
¿Con vuestro sonido tan primitivo, cómo reaccionó el público cuando empezasteis a tocar en directo?
Cuando empezamos a tocar en Boston, la escena garage casi había desaparecido. Tocaban The Lyres y algunos otros grupos de garage, pero no eran como nosotros y no nos gustaban musicalmente. Éramos extremos. Estábamos en la siguiente fase llamada garage punk, aunque no lo sabíamos. Simplemente éramos así. El garage punk ni siquiera era un género en aquella época. Tocábamos a un volumen ensordecedor, vaciábamos clubes, asustábamos a la gente. Apilábamos distorsión sobre distorsión. Nos desgarrábamos las cuerdas vocales gritando por encima del estruendo. Bebíamos mucho. Éramos antisociales. En general, a Boston no le gustábamos en absoluto.
A las bandas de fuera de Boston sí les gustábamos. Especialmente a Jon Spencer. Eso abrió un nuevo mundo para nosotros. Después de unos años salimos de gira y la gente en Boston no podía entender cómo conseguíamos esa atención. Les desconcertaba. Éramos unos cretinos, Empezamos a conseguir pequeños contratos discográficos en todo el mundo. ¡Una locura!
A principios de la década de 2000, gran parte de la prensa musical parecía asombrada de que The White Stripes se abrieran paso como banda sin bajista, olvidando que vosotros, The Gories y The Cramps ya lo habíais hecho. ¿Alguna vez habéis sentido que os faltaba algo o tocar sin bajo os ha servido más como una inspiración?
Pasamos por tres bajistas en poco más de un año. Allen era el mejor, pero no era de fiar y tenía problemas de drogadicción. Merle era fiable, pero no creo que compartiera la pasión o la visión de nuestra música. Decidió mudarse repentinamente a Nueva York, así que en ese momento nos cansamos de que otros músicos nos frenaran. Los tres compartíamos una visión tan fuerte…Nunca tuvimos que discutir nada. No éramos un grupo que planeara las canciones. Simplemente aparecían y se formaban con el tiempo. Era agotador intentar enseñar a la gente cosas que nos salían de forma tan natural. Así que nos convertimos en un trío sin bajo. Los primeros discos de The Cramps fueron una gran inspiración. Sabíamos que Pussy Galore lo hacía sin bajo. Muchas bandas de los 50 y 60 no tenían bajistas. Así que David y yo empezamos a cubrir el bajo con nuestras guitarras. Surgió de forma bastante natural, aunque tardamos un poco en adaptarnos del todo. Creo que la transición es un poco evidente en Destination Lonely. Fueron nuestras primeras grabaciones como trío. Aún no lo habíamos resuelto del todo desde el punto de vista sonoro. Mi verdadero momento “A-ha” fue cuando grabamos «Possession» y «Savage Affection». Fue entonces cuando supe que estábamos bien como trío. Después, todo encajó.
Somos una banda muy heavy. A veces es difícil conseguir que el bajo encaje con toda nuestra borrasca profunda. Además, David y yo tenemos una forma de tocar juntos que tiene un cierto swing o movimiento que a algunos músicos les resulta difícil seguir. Realmente podemos despegar juntos con Dana y no me gusta jugar con eso. Si otro músico se retrasa o lo que sea, arruina la sensación de la música.
La primera canción vuestra que escuché fue la versión de «Refried Dreams» por The Dirtbombs. Siempre me ha parecido una canción pop envuelta en vuestro primitivo sonido de garage, que también evoca una especie de rock and roll de los primeros años 50.¿Cuál es vuestro proceso a la hora de componer y enfocar los álbumes en su conjunto?
En realidad, hacemos muchas cosas de tipo pop. Nuestra propia versión del pop, quizá, más basada en antecedentes sesgados como Alex Chilton. Hay melodías pop en muchas de nuestras canciones. Las canciones se escriben solas y no intentamos prejuzgarlas por su sonido o estilo. Si son buenas y funcionan, nos las quedamos. En mi opinión, la variedad de estilos es importante en un disco. Un grupo puede ser genial para un tipo de canción, pero si eso es todo lo que hacen en un disco, entonces me aburro mucho. Un disco debe ser un viaje, una experiencia. Debe tener una variedad de emociones y diferentes niveles de compromiso. Debe sorprender al oyente y también desafiarle y, con suerte, dejar un impacto emocional. Además, el siguiente disco de un grupo no debe repetir las ideas del anterior. Debe ser una extensión, una construcción o una transformación. Como la vida. Los músicos tienen que seguir a sus musas. No pueden preocuparse nada por el oyente, solo deberían producir cosas de alta calidad para no decepcionarse a sí mismos. La sinceridad también es importante. La falsedad grita muy alto en una grabación. Sé sincero e intenta hacerlo lo mejor posible. Es todo lo que puedes hacer.
Tengo que preguntarle por «Thinkin’ Some More» del disco Whiskey. ¿Qué motivó esos 27 minutos?
Supongo que fue un homenaje a la Velvet Underground. Quizá nos dejamos llevar un poco. Ensayamos esa canción con esa duración durante un par de meses. Estaba muy trabajada y no era en absoluto una jam, aunque había mucha improvisación en ella. Nos bebimos una botella de whiskey entre los tres y nos pusimos a tocar hasta que estuvo lista. Cuando hablamos después con el ingeniero de grabación, nos dijo: «La cinta se acabó apenas segundos después de que terminarais». Por eso llamamos al disco Whiskey. Queríamos mostrar nuestro lado de improvisación ruidosa. No queríamos que nos encasillaran como una banda de garage. Nos gusta mucho el material experimental, y esto era un intento de ello.
Bats In The Dead Trees parecía un desafío al público en la misma línea. Lo he visto descrito como hecho «sin ninguna vergüenza discernible, y ciertamente sin saber cómo caerán las cartas o se formarán las figuras». ¿Fue ese álbum una especie de liberación? ¿Cómo surgió?
Nuestro amigo Tom Derwent quería que hiciéramos un disco improvisado y ruidoso para su sello. Pensamos que podría ser divertido, así que decidimos hacer cuatro canciones totalmente improvisadas. ¿Tuvo éxito? No estoy seguro. Hace años que no lo escucho. Hicimos un directo tocando las canciones y luego no volvimos a tocarlas. Todas las cosas que haces te llevan a algo más, y sí, creo que algunas de esas ideas nos ayudaron a hacer el disco con Bill Gage más tarde. Y el disco de Bill Gage me ayudó a salir de un bloqueo de escritor. Así que todo conduce a algo más.
En 2014, Dana dijo: “Para mí, una buena letra tiene sexo, violencia y comedia a partes iguales, como una película de Russ Meyer.” ¿Estás de acuerdo?
Dana tiene un enfoque de sus letras diferente al mío y eso se suma a la naturaleza variada de lo que hacemos como banda. Siempre me sorprende que la gente no pueda distinguir entre nuestros estilos como cantantes y escritores. Nuestros estilos funcionan bien juntos, pero, en mi opinión, son bastante diferentes. Mis letras tienden a ser más depresivas e introspectivas, mientras que las de Dana son más salvajes, con humor negro y, sí, algo de violencia. Él suele inclinarse por las progresiones de acordes más pesadas que se me ocurren, mientras que yo hago las más melódicas. Pero a veces intercambiamos los papeles. En general, funciona así.
A menudo tocamos las canciones como instrumentales durante bastante tiempo antes de empezar a trabajar en las voces. Normalmente uno de nosotros dice: “Oye, creo que tengo una letra para eso”, y entonces todo empieza a ir en esa dirección. En Yer Last record teníamos toda la secuencia de canciones completamente trabajada como instrumentales antes de añadir las letras y las voces. Nos llevó un par de años. Ahora tendemos a trabajar mucho más rápido. No tenemos tiempo para perder el tiempo.
Walk Into The Sea fue vuestro primer álbum tras dejar In The Red. ¿Cómo fueron los años con In The Red y cómo cambiaron las cosas después de Yer Last Record?
¡Esta es una gran pregunta que abarca mucho! Fuimos una de las primeras bandas In The Red. La visión de Larry y la nuestra encajaban a la perfección. Teníamos exactamente el mismo gusto musical y la misma pasión. Era una época extraña en la música, pero teníamos nuestro pequeño nicho, nuestra escena. Larry organizó nuestra primera gira por la costa oeste en 1992 con The Muffs. Luego volvimos a casa y grabamos Whiskey. Su sello nos dio mucha más exposición, y nosotros éramos una banda única que él estaba orgulloso de tener en su sello. Éramos un equipo y era el hogar perfecto.
Todos nuestros amigos estaban haciendo cosas con Larry, y realmente despegó. Se basaba en el garage, pero era mucho más exagerado que otros sellos. Entonces le hablé a Jon Spencer del sello y de lo bueno que era, y él quiso producir nuestro siguiente disco. Fue una buena oportunidad para nosotros, ya que Jon estaba ascendiendo meteóricamente en ese momento. Por desgracia, lo estábamos pasando fatal viviendo en Boston, arruinados, estresados y todos viviendo en la misma casa. Esto duró unos seis meses. Jon perdió interés en el proyecto cuando Dana se fue porque pensó que la banda no sería la misma, lo cual era cierto. Al final resolvimos las diferencias con Dana, volvió, ensayamos un par de meses y nos fuimos a Nueva York a grabar Don’t Like You.
Entiendo que ese disco tuvo muchas repercusiones para vosotros.
Fue nuestro disco más importante. Llegó en el momento adecuado y llamó la atención. Hicimos una gira por Europa. Las cosas iban mejor. Luego nos mudamos a Columbus, Ohio. La vida era más barata, teníamos mejores amigos y un buen ambiente musical. Estábamos de gira por Estados Unidos y teníamos un agente. Todo parecía ir bien. Pero cuando nos mudamos a Columbus, el negocio de la música se vino abajo. Perdimos a nuestro agente y no salimos tanto de gira. Decidimos refugiarnos y escribir nuestra “obra maestra”. Se trataba de un doble CD titulado Forgive Thee. David Katznelson vino a producirlo, fumamos la hierba de Busy Bone en el estudio y pensamos que lo que habíamos producido era realmente bueno. Se hizo en un estudio de verdad, no era tan lo-fi y tenía un sonido muy diferente de lo que habíamos hecho antes. Salió y fue un fracaso. Ni prensa, ni interés, nada. Nos lo estábamos pasando bien de fiesta en Columbus, así que no nos importaba mucho. Seguimos escribiendo canciones. Seguimos adelante. Hicimos otra gira por Europa y parecía que las cosas iban bien, pero estábamos en la espiral descendente. Entonces hicimos Refried Dreams, que tenía un sonido ligeramente diferente, quizá un poco más pop por así decirlo. Pero seguía en la tradición de nuestro sonido. De nuevo pensamos que era fuerte. También fue ignorado.
¿Cómo os impactó la situación en aquel momento?
Tocábamos en bares de mala muerte de Columbus, nos emborrachábamos y actuábamos con grupos que llegarían a ser muy famosos, pero no íbamos a ninguna parte. Yer Last Record fue el último disco de la trilogía de David Katznelson. Habíamos intentado grabar este disco por nuestra cuenta en un estudio de Ohio, pero nos emborrachamos demasiado y hubo problemas técnicos que hicieron que la sesión se eternizara, y nos emborrachamos más y los resultados no estuvieron a la altura. David volvió y e hicimos el disco de nuevo en una sesión tensa y pesada, como el disco. David estaba pasando por problemas familiares y nuestro material era muy oscuro, pesado y psicodélico. Así que la sesión fue extraña, pero sigo estando muy orgulloso del disco. Tiene una especie de sonido submarino. No sé cómo describirlo. Nunca sentí que a Larry realmente le gustara este disco porque era lento y él se dedicaba a bandas más jóvenes con una actitud y un sonido exagerados. Nosotros éramos unos viejos deprimidos. El disco sólo fue editado en CD por In The Red. Nuestra amiga Sue Pieschalski editó el vinilo en su sello Secret Keeper. Se filtró a un público indiferente.
Aun así, seguimos componiendo. Trabajamos en el material de Walk Into the Sea con la intención de publicarlo en In The Red. Nos llevó bastante tiempo montar el disco. Escribimos las canciones y luego decidimos que nuestro amigo Will Foster lo grabara al estilo DIY en nuestro sótano. Hicimos muchas sesiones en una grabadora Tascam de 8 pistas y luego hicimos sobregrabaciones en un ordenador. Fue agradable tener más control sobre el proceso de grabación y mezcla. Creo que es uno de nuestros discos más sólidos y me sentí muy orgulloso del resultado. Envié los resultados a Larry y no recibí mucha respuesta. Las cosas habían cambiado. Tenía muchas bandas de bastante éxito en su sello y tenía que dedicarles mucho tiempo. David Shannon tardó mucho en terminar el material gráfico, así que el disco se retrasó, pero Larry tenía un disco de Sparks entre manos en ese momento. Su atención estaba en eso. Cuando llegó el momento de comprometerme a prensar el disco, me negué y me retiré del acuerdo. Fue desgarrador y, lo creas o no, tardé años en superarlo. Larry y yo no hablamos durante muchos años después de esto. Ahora estábamos realmente solos. Fue devastador, pero inevitable. Afortunadamente unos buenos amigos de Columbus nos ayudaron, el disco salió y se crearon nuevas asociaciones y sobrevivimos. Pero nunca volvimos a tener la exposición que tuvimos como cuando estábamos con In The Red.
Ghost Highway está a punto de reeditar Walk Into The Sea y Reality Is A Grape. ¿Cómo surgió esa relación?
Hace poco puse en marcha un sello independiente llamado Morbid Web para publicar parte de nuestra música. Cuando salió el 7”, pregunté en Instagram si alguien estaría interesado en distribuirlo en Europa. Marco respondió que le gustaría distribuirlo y que si teníamos algún otro material para un disco. Le dije que no teníamos material nuevo preparado, pero que dos de nuestros discos nunca se habían publicado en Europa. Fueron discos que grabamos después de separarnos de In The Red. En principio, sólo se editaron en Estados Unidos. Especialmente Reality is a Grape, cuya tirada original fue muy pequeña y no llegó mucho a Europa, si es que llegó. Aceptó hacer ese disco junto con Walk Into the Sea, pero quería una nueva ilustración que los hiciera especiales para el mercado europeo. Así que se pidió al artista Olaf Jens que hiciera nuevas portadas, y Jim Diamond remasterizó Walk Into the Sea, ¡así que los lanzamientos son diferentes y geniales!
Después de estas reediciones, ¿qué es lo próximo para vosotros?
In The Red tiene previsto reeditar Don’t Like You y Forgive Thee en 2025. Don’t Like You tiene un LP adicional de demos que hicimos antes de que Dana dejara la banda. Se hicieron en estudio y tienen una calidad de sonido excelente. Forgive Thee está programado para ser un triple LP. Nunca salió en vinilo, así que es emocionante. Vamos a sacar un 7” con nuestro amigo y hermano de rock n roll Don Howland. Saldrá en nuestro sello Morbid Web este invierno. Es bueno. La voz de Don suena genial. Últimamente hemos estado trabajando con lo que yo llamo la “big band”, formada por James Arthur al bajo y Bobb Hatt al saxofón. Esta formación nos da un sonido salvaje y desinhibido, casi free jazz a veces. ¿Continuará? No lo sé. Pero espero que nos lleve a algo nuevo.
Puedes solicitar las reediciones en: https://ghosthighwayshop.com/en/
Texto: Nathan Whittle
